Muere Alan Parker, director de 'El expreso de medianoche', 'Arde Mississippi' o 'Evita', a los 76 años

Muere Alan Parker, director de 'El expreso de medianoche', 'Arde Mississippi' o 'Evita', a los 76 años

El cineasta británico Alan Parker ha fallecido esta mañana a la edad de 76 años. Parker estaba luchando contra una larga enfermedad a la que finalmente no ha podido derrotar, tal y como ha confirmado el British Film Institute.

Doblemente nominado al Óscar

La carrera de Parker en el cine arrancó en 1971 con ‘Melody’, una cinta de Waris Hussein que él se encargó de escribir. Poco después dio el salto a la silla del director con un par de cortos y la Tv Movie ‘The Evacuess’ antes de debutar como realizador de largometrajes en 1976 con ‘Bugsy Malone, nieto de Al Capone’, una de las primeras películas de Jodie Foster.

Apenas dos años después, Parker hizo ‘El expreso de medianoche’, uno de los títulos más emblemáticos de su filmografía por la que fue nominado por primera vez al Óscar de mejor director, aunque la estatuilla fue finalmente a manos de Michael Cimino por ‘El cazador’.

Alan

Ya en los años 80 desarrolló una carrera de lo más ecléctica con títulos tan recordados como ‘Fama’, ‘Pink Floyd: The Wall’, ‘Birdy’, ‘El corazón del ángel’ o ‘Arde Mississippi’, por la cual consiguió su segunda y última nominación a los premios de la Academia de Hollywood, siendo derrotado en esta ocasión por Barry Levinson y su trabajo en ‘Rain Man’.

En los 90 se ocupó de títulos como ‘Los Commitments’, ‘El balneario de Battle Creek’, ‘Evita’ o ‘Las cenizas de Ángela’, poniendo punto y final a su trabajo tras las cámaras en 2003 con ‘La vida de David Gale’, un vehículo para el lucimiento de Kevin Spacey.

Descanse en paz.

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Muere Alan Parker, director de ‘El expreso de medianoche’, ‘Arde Mississippi’ o ‘Evita’, a los 76 años

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Mikel Zorrilla

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Netflix se queda 'Splinter Cell': el guionista de 'John Wick' escribirá una serie de animación basada en el videojuego

Netflix se queda 'Splinter Cell': el guionista de 'John Wick' escribirá una serie de animación basada en el videojuego

Mientras esperamos que ‘Splinter Cell‘ dé el salto al cine, tras años de rumores e intentos fallidos, nos enteramos que se ha puesto en marcha un proyecto una serie de animación que puede interesar mucho a los fans del videojuego.

Derek Kolstad escribirá y producirá dos temporadas de ‘Splinter Cell’

Netflix y Ubisoft han firmado un acuerdo para producir esta adaptación de la popular franquicia lanzada en 2002. Para desarrollar el proyecto han contratado a Derek Kolstad, guionista de la saga ‘John Wick‘. El escritor ha participado recientemente en ‘Die Hart‘, de Quibi, y ‘Falcon and The Winter Soldier‘, uno de los estrenos más esperados de Disney+.


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'Ratched': Netflix lanza las primeras imágenes y pone fecha de estreno a la precuela de 'Alguien voló sobre el nido del cuco'

'Ratched': Netflix lanza las primeras imágenes y pone fecha de estreno a la precuela de 'Alguien voló sobre el nido del cuco'

Netflix al fin se ha animado a lanzar las primeras imágenes de ‘Ratched’, la esperadísima precuela de ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’ avalada por la participación en la misma de Ryan Murphy. Además, la plataforma también ha anunciado su fecha de estreno: el 18 de septiembre.

Pintaza

‘Ratched’ nos contará los inicios de la enfermera Mildred en un hospital psiquiátrico de California en 1947. En esta ocasión es Sarah Paulson quien da vida a una versión más joven del personaje inmortalizado por Louise Fletcher en la estupenda película dirigida por Milos Forman en 1975.

Junto a Paulson también veremos a Cynthia Nixon, Judy Davis, Sharon Stone, Jon Jon Briones, Finn Wittrock, Charlie Carver, Alice Englert, Amanda Plummer, Corey Stoll, Sophie Okonedo y Vincent D’Onofrio. Un repartazo para la que promete ser una de las mejores series de lo que queda de 2020.

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Eso sí, estar a la altura de ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’ no va a ser precisamente sencillo, ya que es una de las tres películas -las otras dos son ‘Sucedió una noche’ y ‘El silencio de los corderos’– que consiguió ganar los Óscar de mejor película, dirección, actor, actriz y guion. Casi nada.

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Netflix también ha lanzado un cartel de la serie para ir abriendo aún más el apetito. Lo podréis ver un poco más abajo junto al resto de imágenes.

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Ratched

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‘Ratched’: Netflix lanza las primeras imágenes y pone fecha de estreno a la precuela de ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’

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El Festival de Venecia 2020 anuncia su programación: Luca Guadagnino, Kiyoshi Kurosawa, Álex de la Iglesia, Quentin Dupieux y más

El Festival de Venecia 2020 anuncia su programación: Luca Guadagnino, Kiyoshi Kurosawa, Álex de la Iglesia, Quentin Dupieux y más

A pesar de que la pandemia del coronavirus ha obligado a cancelar o retrasar grandes citas culturales, como el festival de Cannes, o trasladarlas a Internet, como la Comic-Con de San Diego, los organizadores de próximos certámenes se mantienen optimistas y firmes en la voluntad de celebrar sus eventos. Ya veremos cómo. Es el caso de la Mostra de Venecia, que hoy ha anunciado su programación.

Lacci‘, de Daniele Luchetti, será el título encargado de abrir la 77ª edición del prestigioso festival; es el primer film italiano que abre Venecia en 11 años. El certamen debería celebrarse del 2 al 12 de septiembre, y su jurado está presidido este año por la actriz Cate Blanchett.


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'The Umbrella Academy': la temporada 2 de la serie de Netflix mantiene sus virtudes pero con menos chispa

'The Umbrella Academy': la temporada 2 de la serie de Netflix mantiene sus virtudes pero con menos chispa

La primera temporada de ‘The Umbrella Academy’ fue un pasatiempo de superhéroes que sabía conquistarte tanto con lo loco que era todo lo que sucedía como por el grupo de “hermanos” que tenían que evitar el apocalipsis, todo ello aliñado con una certera selección de canciones que potenciaba su peculiar encanto. Quizá suavizara el cómic original, pero me lo pasé estupendamente con ella ye tenía muchas ganas de ver cómo resolvían el cliffhanger con el que despidieron esa tanda inicial de episodios.

Casi año y medio ha pasado desde que esta atípica familia escapase del apocalipsis por los pelos hasta el estreno en Netflix de la segunda temporada este próximo viernes 31 de julio. Por mi parte, ya ha tenido la oportunidad de ver los cinco primeros episodios y la sensación que me ha dejado ha sido un poco agridulce, ya que todo lo que define a la serie sigue ahí, pero sin funcionar igual de bien que en la primera temporada.

Con paso no tan firme

Escena Umbrella

Suele decirse que la unión hace la fuerza, algo que en parte confirma este inicio de la segunda temporada de ‘The Umbrella Academy’ al separar a sus protagonistas en el inesperado salto al pasado cuando escaparon del inminente fin del mundo en 2019. Eso provoca que casi todo ellos rehagan sus vidas y fuerza a la serie a potenciar ese factor introductorio más allá de la trama de temporada.

Lo que decide ahí la serie es optar por un enfoque algo más dramático pero sin decidirse abiertamente a profundizar en las heridas abiertas de cada uno de ellos. De hecho, prefiere potenciar la variedad en las situaciones de cada uno de ellos, probablemente buscando mantener ese ritmo ágil que hizo que la primera temporada se viese tan fácil como el tomarse un helado en plena ola de calor.

La cuestión es que allí realmente había que presentar a los personajes, ver lo que les unía y también lo que les separaba, pero aquí en todo momento uno tiene claro que todo esto no es más que una etapa de paso para volver a verles juntos intentando evitar una catástrofe. Por ello, uno nunca llega a implicarse del todo en la forma que tienen de lidiar con sus traumas o la sociedad en la que se encuentran actualmente, y es una pena, porque por separado cualquiera de las subtramas podría haber conseguido que nos los pasáramos en grande.

Confianza en que irá a más

Imagen Umbrella

Eso sí, tiempo hay para que sigan creciendo en paralelo a la necesidad de que todos vuelvan a unir sus fuerzas. Por mi parte, tengo especial interés en las de Luther y Allison. En el caso de él por todo lo relacionado con su jefe y en la de ella por el intento de la serie en profundizar en el candente conflicto racial en la época. Si todavía hay mucho que mejor en la actualidad, por aquel entonces aún más, siendo un momento clave para empezar a dar varios pasos adelante.

Donde sí que esta segunda temporada va sembrando semillas interesantes desde el primer momento es con la adición de algunos nuevos personajes que van creciendo de forma orgánica sin por ello renunciar a algunos golpes de efecto vinculados a lo que ya habíamos visto en la serie hasta ahora. De hecho, hay más de una reaparición en la que se alterna el continuar con la historia de esos personajes con dar un giro de tuerca a lo que creíamos que sabíamos sobre ellos.

Además, ‘The Umbrella Academy’ mantiene todas las virtudes con las que nos conquistaron en su primera tanda de episodios, desde el más que convincente trabajo de todos los actores protagonistas hasta esos coqueteos constantes con el humor, sin olvidarnos de la audacia visual y del cuidadísimo trabajo de selección de las canciones. Sigue siendo la misma serie sin querer repetirse en lo narrativo pese a tener que lidiar con otro fin del mundo, pero en estos cinco primeros episodios sí que le falta esa chispa necesaria para que incluso podamos llegar a disfrutar con las debilidades de esta entretenida locura superheroica.

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Quizá simplemente sea cosa de ver la temporada completa, pero tras cinco episodios de la primera ya estaba deseando ver más por lo bien que me lo estaba pasando, mientras que aquí su intento de dar mayor hondura a todos por separado no termina de funcionar igual de bien. Ojalá esa línea ascendente que se empieza a atisbar en el quinto episodio se confirme y acabe despidiéndose por todo lo alto.

La temporada 2 de ‘The Umbrella Academy’ estará disponible en Netflix a partir del 31 de julio

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Muere Olivia de Havilland, actriz de 'Lo que el viento se llevó' y doble ganadora del Óscar, a los 104 años

Muere Olivia de Havilland, actriz de 'Lo que el viento se llevó' y doble ganadora del Óscar, a los 104 años

Muere Olivia de Havilland, actriz de 'Lo que el viento se llevó' y doble ganadora del Óscar, a los 104 años

Ha muerto la última gran actriz de la Edad de Oro de Hollywood: Olivia de Havilland ha dejado este mundo por causas naturales a los 104 años mientras dormía en su casa de París.

Recordada por muchos gracias a su inolvidable interpretación de Scarlett O’Hara Melania en ‘Lo que el viento se llevó’, Olivia de Havilland se hizo un nombre en Hollywood poco después de debutar gracias a sus apariciones en varias películas de aventuras al servicio de Errol Flynn como ‘El capitán Blood’ o ‘Robin de los bosques’.

Sin embargo, fue ‘Lo que el viento se llevó’ la cinta que terminó de catapultar su carrera, consiguiendo por ella la primera de sus cinco nominaciones al Óscar. Lo ganaría por primera vez en 1947 por ‘Vida íntima de Julia Norris’ y apenas tres años después volvería a llevarse la estatuila para casa gracias a su trabajo en ‘La heredera’. Después de la película dirigida por William Wyler nunca volvió a ser candidata.

La actriz que cambió Hollywood

Havilland

Sin embargo, en los años 40 hizo una aportación al séptimo arte mucho más importante que cualquiera de sus películas, ya que llevó a juicio a Warner por las condiciones leoninas que imponían a los actores. La actriz no pudo rodar película alguna durante más de dos años, pero todos se beneficiaron de su victoria en los tribunales.

Su regreso triunfal a la gran pantalla fue casualmente con ‘Vida íntima de Julia Norris’, cinta en la que se desmarcó de la imagen que Warner había querido potenciar de ella. Desde entonces trabajó con mucha mayor libertad a la hora de poder elegir sus papeles, aunque con la llegada de los años 50 empezó a espaciar sus trabajos como actriz.

Vida Íntima de Julia Norris (BD) [VOS] [Blu-ray]

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También pudimos verla en ‘No serás un extraño’, ‘Canción de cuna para un cadáver’, ‘Aeropuerto 77’, ‘El enjambre’ o la televisiva ‘Norte y Sur’. Su último trabajo delante de las cámaras se remonta a 1988, año en el que participó en la Tv Movie ‘The Woman He Loved’. Para entonces ya llevaba más de diez años sin tener trato alguno con su hermana Joan Fontaine, algo que nunca solucionaron.

Descanse en paz.

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Las 21 mejores películas de cine negro de toda la historia

Las 21 mejores películas de cine negro de toda la historia

Las 21 mejores películas de cine negro de toda la historia

Es uno de los géneros más codificados de la historia, y aún así, es complicado definirlo. ¿qué es el noir? Sabemos que el cine negro prototípico tiene química sexual extrema, a menudo entre una femme fatale despiadada y un hombre duro y de emociones encallecidas. Su estética está basada en los claroscuros cromáticos, las sombras y los escenarios retorcidos, perfectos reflejos de las pasiones torturadas de quienes deambulan por ellos. 

También tenemos como elemento clave la temática criminal, a menudo (aunque no siempre) retratada desde el punto de vista de los forajidos. Malhechores o polizontes, en cualquier caso, todos exhiben una moral ambigua y poco fiable, donde el detective puede convertirse en traicionero extorsionador a la mínima. Y también tenemos la tendencia a la mutación del género: una película de ciencia-ficción o una comedia pueden tener, a golpe de femme fatale y bar de mala muerte, elementos de noir.

Ya, no te ha quedado del todo claro, ¿no? Desde principios de los años cuarenta hasta finales de los cincuenta, el noir clásico campó a sus anchas por Hollywood, y autores tan respetados como Orson Welles, Howard Hawks, Billy Wilder, John Huston o Fritz Lang contribuyeron a darle forma. Nosotros, sin ánimo de ser definitivos o completistas hemos hecho una amplia selección de unos cuantos impepinables del género. Hemos intentado no repetir demasiados autores o estilos, ni desviarnos demasiado del noir canónico. 

Como siempre, recuerda que estas películas obedecen a una selección rigurosamente personal del autor de estas líneas. Te invitamos a que acudas a los comentarios y completes la selección con tus propias propuestas. Ajústate la cartuchera y bienvenidos al blanco y negro (literal o metafórico).

El halcón maltés (1941)

Director: John Huston

Intérpretes: Humphrey Bogart, Mary Astor, Gladys George, Peter Lorre, Barton MacLane, Lee Patrick

El venerable abuelo de todos los noir sería superado por muestras más sofisticadas y despiadadas del género solo unos pocos años después, pero la primera película de John Huston sigue siendo un clásico indiscutible. Basada en una novela también esencial para el género de Dashiell Hammett (publicada en 1930 y, de hecho, adaptada por primera vez con mucha más ingenuidad en 1931),  la encarnación de Bogart como Sam Spade se convertiría en un modelo a imitar. Fue gracias a que el actor, conocido hasta entonces por sus papeles de gángster, le inyectó una buena dosis de ambigüedad inspirada en éstos con su combinación (tan imitada como parodiada) de melancolía, cinismo y un punto romántico.

Y no olvidemos, entre toda la fauna urbana que se encuentra Spade, a la icónica femme fatale Brigid O’Shaughnessy (ya se te llena la boca solo con el nombre de esta espléndida encarnación de la actriz Mary Astor). En este caso, la historia de la búsqueda de un preciado objeto (el halcón del título) es también un esquema muy socorrido, y concluye como todos los buenos noir: con un sonoro e inteligente corte de mangas al restrictivo código Hays de censura.

Perdición (1944)

Dirección: Billy Wilder 

Intérpretes: Fred MacMurray, Barbara Stanwyck, Edward G. Robinson, Tom Powers, Porter Hall

Todo nombres de primerísima categoría para uno de los clásicos indiscutibles del cine negro. Raymond Chandler y Billy Wilder (podemos pelearnos en el barro, si quieres, para dirimir si las mejores películas de Wilder pertenecen a las comedias o al cine negro, pero yo lo tengo claro)  firman un guión basado en una novela de James M. Cain, que encarnan nada menos que un Fred MacMurray que no cae en los tópicos habituales gracias a sus papeles previos en la comedia, una Barbara Stanwyck que brilla en el mejor papel de su carrera -una auténtica psicópata- y un Edward G. Robinson tan perfecto como de costumbre. Para redondear, una increíble banda sonora de Miklos Rozsa.

Una película de la que nada menos que Alfred Hitchcock era fiel devoto, y que vio la luz en un año que definió perfectamente la estética y temáticas del género -poco antes de que los críticos franceses acuñaran el término-, junto a otros clásicos como ‘Laura’ o ‘La mujer del cuadro’. El argumento es también un clásico y conocería múltiples reformulaciones (una mujer fatal lía a un desprevenido agente de seguros para que maten al marido de ella), y su estructura contada en un largo flashback es una delicia. La estética, a la vez heredera del artificioso expresionismo alemán y de las crudas crónicas de sucesos de la época, marcó el género. 

Crítica en Espinof

Laura (1944)

Director: Otto Preminger

Intérpretes: Gene Tierney, Dana Andrews, Clifton Webb, Judith Anderson, Vincent Price, Dorothy Adams

Como muchos otros directores de la época, Otto Preminger (que había dejado Austria cuando comenzaba la guerra) obtuvo su primer gran éxito en Hollywood dentro del noir (y no fue el único: mucho ojo a películas del director como ‘¿Ángel o diablo?’, ‘Vorágine’ o ‘Al borde del peligro’). Era una época burbujeante para el género: ‘Perdición’ se estrenaría solo un mes después, y los códigos del noir estaban tan bien asentados que se permitían difusos experimentos con los géneros como este, que parece casi una historia de fantasmas de Daphne Du Maurier (se basa en una novela de la interesantísima novelista de misterio proto-feminista Vera Caspary): aquí, un detective (Dana Andrews) que investiga la muerte de una mujer (Gene Tierney) acaba obsesionado con ella.

La elegantísima dirección de Preminger, que inunda el relato de movimientos de cámara y hallazgos de puesta en escena dota a ‘Laura’ de un halo de romanticismo fatalista del que carecen otras muestras más ásperas y realistas de noir, lo que posiblemente haya certificado su categoría de clásico más allá de los límites del género. Sin duda su gran acierto son los personajes que rodeaban a la difunta: el columnista de lengua viperina Waldo Lydecker (Clifton Webb), el playboy Shelby Carpenter (Vincent Price) y el propio detective protagonista, que se adelanta al James Stewart de ‘Vertigo’.

Desvío (1945)

Director: Edgar G. Ulmer

Intérpretes: Tom Neal, Ann Savage, Claudia Drake, Edmund MacDonald, Tim Ryan, Esther Howard, Pat Gleason

Durante décadas considerada una pieza menor al lado de contemporáneas tan monumentales como ‘Perdición’ o ‘El sueño eterno’, esta pieza rotunda y extraña de Edgar G. Ulmer (curtido en mil películas de bajo presupuesto y recordado sobre todo por ‘Satanás’, pura gloria de horror pre-Código Hays de Universal) ha acabado siendo reivindicada como un extraordinario noir. El aspecto arrebatadoramente onírico de su fotografía le dieron fama de haber sido rodada en una semana, aunque más tarde se descubrió que no era cierto.

En 68 frenéticos minutos que parecen haber inspirado múltiples comedias locas de los ochenta acerca de personajes inocentes que, por azar y por destino se ven sumidos en aventuras más grandes que la vida, Ulmer nos cuenta cómo un músico que hace autostop para atravesar el país (Tom Neal) es recogido por un extraño. Tras la muerte accidental de éste, se apropia de su coche e identidad y se ve envuelto en mil y una peripecias, empezando por el tropiezo con una de las femme fatales más peculiares del periodo, una mujer magnética y malencarada interpretada por Ann Savage y que precipita este tobogán de situaciones delirantes y modernísima atmósfera de pesadilla.

Crítica en Espinof

El sueño eterno (1946)

Dirección: Howard Hawks 

Intérpretes: Humphrey Bogart, Lauren Bacall, John Ridgely, Martha Vickers, Dorothy Malone, Regis Toomey

Dos elementos dieron fama a esta adaptación de la novela clásica de Raymond Chandler. Por un lado, la encarnación de Humphrey Bogart como  Philip Marlowe paradigmático (tanto como su Sam Spade de ‘El halcón maltés’, cinco años antes). Por otro, la tensión sexual entre Bogart y Lauren Bacall, asombrosa en una película de los años cuarenta y que hace transitar a la película por códigos casi de comedia screwball, con unos diálogos entre la pareja absolutamente deliciosos, tan febriles, afilados y faltones como los de ‘La fiera de mi niña’. No es de extrañar que Hawks no volviera a incidir en un género que exigía más cinismo. 

Se dice que Hawks sacrificó en la sala de montaje la verosimilitud y credibilidad del film (la película arranca con Marlowe contratado para investigar unas deudas de juego de una descocada heredera, aunque pronto la cosa va por derroteros completamente distintos), dando preferencia a secuencias que incrementaran el alto voltaje sexual y dejando fuera las  convenciones policiacas. El resultado funciona casi como una versión onírica y estilizada de los tópicos del género, superándolos y afianzándolos.

Retorno al pasado (1947)

Director: Jacques Tourneur

Intérpretes: Robert Mitchum, Jane Greer, Kirk Douglas, Rhonda Fleming, Richard Webb, Steve Brodie

Otra producción definitoria de los argumentos, ambientes y personajes del cine negro más puro, con un trío de intérpretes absolutamente arrollador: Mitchum es un detective contratado por el gángster Douglas para que encuentre a una de las femmes fatales más despiadadas del noir, Jane Greer, después de que ésta le dispare y robe una pequeña fortuna. Todo ello imbuido en una estructura deliberadamente confusa, a golpe de flashbacks que enuncian otro gran tema del género: el personaje de Mitchum intenta escapar de su pasado, pero no es tan fácil. 

El Tourneur de los años cuarenta rubricó un trío de piezas perfectas de género (a este noir habría que sumar las atmosféricas piezas de terror ‘La mujer pantera’ y ‘Yo anduve con un zombi’), e inyectó aquí su habitual estilo tenebroso. Le ayudaron, aparte de las interpretaciones medio sonámbulas del reparto, la fotografía llena de sombras de Nicholas Musuraca y la antológica banda sonora de Roy Webb. La guinda es la colaboración como coguionista no acreditado de James M. Cain, que decidió extirpar todo rastro de empatía del personaje de Greer.

La dama de Shanghai (1947)

Dirección: Orson Welles

Intérpretes: Orson Welles, Rita Hayworth, Everett Sloane, Glenn Anders, Ted de Corsia, Erskine Sanford

Mítica por su secuencia final con el tiroteo en el laberinto de espejos, ‘La dama de Shanghai’ va más allá de eso, casi como una declaración de intenciones de un Orson Welles al que se había retirado el enchufe del presupuesto infinito (en realidad, rodó esta película como compensación por la financiación del desastroso musical de Broadway inspirado en ‘La vuelta al mundo en 80 días’). Con esta pequeña maravilla, Welles siguió definiéndose como uno de los mayores rebeldes de Hollywood, actitud que eclosionaría quizás en esa joya tardía del noir que es ‘Sed de mal’.

Aquí un marinero irlandés (Welles) entra a trabajar en un yate al servicio de un inválido casado con una mujer de extraordinario atractivo (Rita Hayworth, entonces mujer separada del director, lo que dota de un perturbador subtexto al film). Pronto descubrirá que es solo un peón en un complejo plan para un asesinato, rodado con pulso clásico gracias a la extraordinaria visión del director de fotografía, Charles Lawton Jr.

Crítica en Espinof

El tercer hombre (1949)

Director: Carol Reed

Intérpretes: Joseph Cotten, Alida Valli, Trevor Howard, Orson Welles, Bernard Lee, Paul Hörbiger

Aunque carece del arrollador prestigio de otras películas de su época, ‘El tercer hombre’ merece estar en las listas de las mejores del género debido a su brillante puesta en escena, mucho más esteticista y cuidada que otras contemporáneas. En ella nos movemos a Viena en 1947, a principios de la Guerra Fría. Un escritor de baja estofa acude a visitar a un amigo, pero éste muere en un accidente de tráfico. Según la policía, dos hombres le ayudaron, pero un testigo habla de un tercero. 

Graham Greene adapta aquí su propia novela, y sabe qué teclas pulsar para que se respete el extraño espíritu de la misma. La opresiva atmósfera de Viena después de la guerra, espléndidamente fotografiada por Robert Krasker como si se tratara de un sueño o una película de terror, con gran influencia expresionista, da el toque irreal perfecto a una película tan amoral como cualquier otra obra maestra del noir, pero mucho menos sórdida. Aún así, temas como el deseo sexual no concretado o la traición se dan cita en una película mucho más oscura de lo que parece y que supone la cime de las grandes colaboraciones entre Reed y Greene. La guinda, las excelentes interpretaciones de Cotten y un Orson Welles secundario, pero con algunas de las líneas de diálogo más famosas de su carrera.

La jungla de asfalto (1950)

Dirección: John Huston

Intérpretes: Sterling Hayden, Louis Calhern, Sam Jaffe, Jean Hagen, James Whitmore, Marilyn Monroe

No exactamente una película noir, sino más bien un esquema de cine negro aplicado a los códigos de las películas de atracos con tal perfección y firmeza que se convirtió en el modelo bajo el que se ha medido el género posteriormente. Conoceremos aquí la meticulosa preparación del atraco a una joyería mientras vamos conociendo a cada uno de sus ejecutores, dueños de un conjunto de habilidades muy específicas. Por supuesto, lo oscuro de sus orígenes y motivaciones, lejos del amable baño de antiheroísmo que baña hoy al género, les hace destinatarios de un porvenir negrísimo. 

Aún así, y pese a ese pesimismo tan propio de Huston, la sistemática humanización que el guión de Ben Maddow y el propio John Huston (basándose en un best-seller de W.R. Burnett) lleva a cabo con los criminales es lo que la hace tan actual, tan influyente y también lo que levantó ampollas en su día. Lejos de la morbosa identificación con los gángsters del cine de los años treinta, ‘La jungla de asfalto’ presenta a criminales que son padres de familia o víctimas de circunstancias muy diversas. No se puede pedir más modernidad que eso.  

Crítica en Espinof 

El demonio de las armas (1950)

Director: Joseph H. Lewis

Intérpretes: Peggy Cummins, John Dall, Berry Kroeger, Morris Carnovsky, Annabel Shaw, Harry Lewis

Un clasicazo de serie B muy modesta, aún dentro de la etapa clásica del noir, pero que incluye trazas de otros géneros, matizando y radicalizando ciertos aspectos de los códigos habituales en las historias de gángsters y delincuentes. En este caso, seguimos las andanzas de un par de atracadores a lo Bonnie & Clyde, pero retratados de forma mucho más sintética y directa de lo habitual y con elementos de thriller psicológico, ya que aquí se pone el acento en el magnetismo que las armas de fuego despiertan en sus antihéroes, más que en el comentario social de qué les ha llevado al crimen.  

El guión de Dalton Trumbo (sin acreditar por su pertenencia a las listas negras anticomunistas) mantiene elevada la temperatura de esta pareja interpretada con una entrega considerable por Peggy Cummins y John Dall. Su inventiva en la puesta en escena, cruda y directa en secuencias como la del atraco al banco en off y plano secuencia, da un aire distinto a esta película que carece de la sutilidad de otros noirs, pero conserva toda la intensidad febril propia del género.

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Los sobornados (1953)

Es famosa por la secuencia en la que un sádico de físico indescriptible interpretado por un joven Lee Marvin echa café hirviendo sobre Gloria Grahame, pero (por supuesto) esta película del gran Fritz Lang es mucho más. Es la historia de un policía (Glenn Ford) que se niega a dejarse azotar por la corrupción que anida en su departamento y emprende, tras el asesinato de su mujer, una lucha desigual contra gángsters y sus propios compañeros.

La fantástica interpretación de Ford y el estupendo guión de Sydney Boehm, inspirado en una novela que a su vez se basaba en hechos reales, son los responsables del impactante retrato de un hombre que, sin perder la integridad moral, se va enfangando en el odio y el deseo de venganza. La sutilísima dirección de Lang para describir a los personajes y al entramado criminal de forma subrepticia es una maravilla y -posiblemente debido a su inclusión en las listas negras de McCarthy- es también políticamente una de sus cintas más combativas. No es difícil encontrar paralelismos entre sus películas antifascistas y la descripción de la sociedad norteamericana, aparentemente libre, que hace aquí.

El beso mortal (1955)

Cuando el cine negro y la tensión atómica de la Guerra Fría colisionan, el resultado es esta maravilla oscura y delirante que detona con la potencia de un millón de megatones. Esta cinta del siempre fiable y polifacético Robert Aldrich arranca cuando el detective Mike Hammer (Ralph Meeker, apropiadamente detestable) casi atropella a una mujer que vaga asustada por una carretera nocturna, vestida solo con una gabardina. Un inicio que ya fija la atmósfera difusa y oscura que marcará el film. Cuando unos días después la mujer es asesinada, Hammer decide investigar.

El final de esta película, literalmente apocalíptico, es buen símbolo de lo que Aldrich, gracias al guión de A.I. Bezzerides -inspirado, cómo no, en la novela de Mickey Spillane-, hace con la figura del detective privado clásico. Si te gustan los tipos duros y amorales, esto puede incluso sobrepasar tus expectativas: la visión de Hammer que tiene Aldrich -izquierdista militante- es misantropía pura, y se nota que su antihéroe no le cae bien. Y los villanos de esta historia están a su altura. Si crees que Aldrich se reveló en ‘¿Qué fue de Baby Jane?’ como un maestro de la violencia incómoda, espera a ver las secuencias de tortura que planteó aquí en plenos años cincuenta.  

Atraco perfecto (1956)

Director: Stanley Kubrick

Intérpretes: Sterling Hayden, Coleen Gray, Vince Edwards, Jay C. Flippen, Marie Windsor, Ted de Corsia

Con veintisiete años, Stanley Kubrick rubricó con su tercer trabajo la primera de sus muchas películas imprescindibles, esta vez siguiendo los pasos de su previa ‘El beso del asesino’. ‘Atraco perfecto’, pese a las buenas críticas recibidas, fue un fracaso de taquilla, lo que no impidió que se convirtiera en película clave del género de atracos, rubricara la desmitificación de héroes y villanos de las historias criminales propia de los cincuenta y alcanzara un status de clásico cuyo eco ha llegado hasta mucho después, cuando películas como ‘Reservoir Dogs’ han dejado bien patente su influencia. 

El subgénero «atracos que salen regular» alcanzó la cima con esta película (antecedida en solo un año por la también soberbia ‘Rififí’) excelentemente interpretada por Timothy Carey y una Marie Windsor a quien los códigos tradicionales de la femme fatale le importan bien poco. Lo que distanció a Kubrick de la aún muy reciente ‘La jungla de asfalto’ -aparte de la sofisticación de su puesta en escena, construida a base de flashbacks que anticipaban formas narrativas experimentales por venir-, fue que se centraba más en las consecuencias del meticuloso atraco a un hipódromo y el conflicto entre los criminales que en la ejecución del delito en sí. Frontal y sin sutilezas, violenta y sórdida, ‘Atraco perfecto’ vaticinaba nuevos tiempos para el noir, alejados de los clásicos.  

Crítica en Espinof

Sed de mal (1958)

Director: Orson Welles

Intérpretes: Charlton Heston, Janet Leigh, Orson Welles, Marlene Dietrich, Joseph Calleia

Para muchos cinéfilos exigentes, la última gran película de Orson Welles (rotundamente falso: la siguiente sin ir más lejos, ‘El proceso’, es también monumental). De lo que no cabe duda es que es su mejor aportación a los códigos del cine negro, pese a las virtudes de ‘La dama de Shanghai’ o ‘El extraño’. Es conocida por las inacabables discusiones que tuvo con la productora por el montaje final, que acabó saliendo a la luz en 1998, o por su espectacular plano secuencia inicial, pasmoso por estar rodado de forma completamente artesanal. Pero ‘Sed de mal’ es mucho más.

Welles logra construir una atmósfera tóxica y pesada a partir de ese amenazador plano secuencia en el que una bomba es colocada en un coche que explota cerca de la frontera de Estados Unidos con México. Una atmósfera que se mastica mientras vamos conociendo a los protagonistas de esta historia sórdida y asfixiante. Charlton Heston como un policía fronterizo, Janet Leigh como su mujer y el propio Welles, en una interpretación casi de tragedia shakesperiana, como detective corrupto. Entre todos envían al espectador el descorazonador mensaje de que llevamos el mal en el torrente sanguíneo, y no hay demasiado que hacer al respecto. Puro pulp sudoroso que echa el cierre a la era clásica en blanco y negro del noir.

Crítica en Espinof

Un largo adiós (1973)

Director: Robert Altman

Intérpretes. Elliott Gould, Sterling Hayden, Nina Van Pallandt, Mark Rydell, Henry Gibson, David Arkin

Cada época tiene su propio Philip Marlowe, la inmortal creación de Raymond Chandler. En la época clásica del noir fue Humphrey Bogart quien le dio vida en ‘El sueño eterno’. Resulta significativo que cuando se iba a abrir una nueva edad de oro para el género (estamos a solo un año de ‘Chinatown’), llegara un nuevo Marlowe. Está interpretado por un Elliott Gould que inyecta humanidad al habitual cinismo del personaje, en una historia inspirada en una novela abiertamente crepuscular, que Chandler consideraba su mejor obra. 

En este caso, la historia es casi de falso culpable, con Marlowe acusado erróneamente del asesinato de la mujer de un amigo, a quien había acompañado en un viaje fugaz hasta la frontera mexicana. El guión corrió a cargo de la gran Leigh Brackett, que ya había adaptado ‘El sueño eterno’ décadas atrás, y que plasmó con mucha inteligencia los cambios que había sufrido el icono del detective privado desde los años cincuenta, cuando se escribió la novela. Esa visión sardónica, también muy propia de Altman, insufló de vida a este noir renovado, que también puso el acento en la crítica social.

Chinatown (1974)

Director: Roman Polanski

Intérpretes: Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Huston, Perry Lopez, Burt Young, Roman Polanski

La película más representativa del neo-noir, completamente consciente del homenaje que está brindando a los clásicos del género y que funciona como artefacto nostálgico y, a la vez, como comentario sobre los mitos de Hollywood. Jack Nicholson está perfecto como detective perdedor y saco de puñetazos de los matones de rigor, investigando un caso de infidelidad extramatrimonial contratado por una Faye Dunaway que, a su vez, conecta perfectamente con las vibraciones de las femme fatales clásicas. Pronto el caso se complicará, con ramificaciones políticas locales. 

Sin perder la atmósfera opresiva y deprimente del noir de siempre, ‘Chinatown’ juega con inteligencia la carta del color, convirtiendo los callejones llenos de sombras del género en zonas semidesérticas y bajo un sol de justicia, pero conservando los claroscuros morales de los orígenes. Porque lo grande de ‘Chinatown’ es que, sin dejar de ser clásica, actualiza las preocupaciones de la época: si en el noir de los 40 y 50 se reflejaba la tensión postbélica, en los setenta Polanski hace una película empapada de desesperanza post-Vietnam y post-Watergate, pese a transcurrir en Los Angeles de los años 30. 

Crítica en Espinof

Fuego en el cuerpo (1981)

Director: Lawrence Kasdan

Intérpretes: William Hurt, Kathleen Turner, Richard Crenna, Ted Danson, J.A. Preston, Mickey Rourke

Superficialmente, la única operación que la oleada de neo-noir de los ochenta efectuó con los clásicos del género fue incrementar el alto voltaje sexual, una operación que veríamos repetida unos cuantos años después, tras el éxito de ‘Instinto básico’. Es una visión algo reduccionista de ambos fenómenos, pero especialmente en el caso del nuevo cine negro de los ochenta, que en efecto iba mucho más cargado de tensión sexual que en los años cincuenta, pero con una intención clara detrás. En películas como el excelente remake de ‘El cartero siempre llama dos veces’ o esta tremenda ‘Fuego en el cuerpo’, de argumento muy similar y estreno el mismo año, el erotismo funciona como comentario de los papeles femeninos clásicos.

Aquí tenemos una aventura romántica entre un abogado de segunda (William Hurt) y una mujer casada que, en efecto, tiene el fuego en el cuerpo (Kathleen Turner, en un debut en pantalla que marcaría su imagen como actriz en los ochenta). Turner reformula el concepto de la femme fatale transformando el comportamiento gélido de sus precedentes clásicos (sobre todo ‘Perdición’ y los personajes de Lauren Bacall) en una humanidad que se desborda a través del sexo. Estupenda fotografía de Richard H. Kline, que vuelve del revés al tiempo que homenajea a los clásicos del género y convierte esta obra de Larence Kasdan en una tortuosa odisea moral a cuarenta grados a la sombra.

Crítica en Espinof

La última seducción (1994)

Director: John Dahl

Intérpretes: Linda Fiorentino, Bill Pullman, Peter Berg, J.T. Walsh, Bill Nunn, Zack Phiffer, Dean Norris

Parecía que el eco de la polémica reformulación en los noventa del concepto de la femme fatale, ‘Instinto básico’, iba a apagarse sin dejar más huella que su propia (y muy notable) existencia. Su concepción fría y frívola del noir generó subproductos propicios para un calentón pero más bien olvidables como ‘Análisis final’, ‘El cuerpo del delito’ o ‘El calor de la noche’. Sin embargo, algo había en la esencia tórrida de la película de Paul Verhoeven, rebosante de mentiras, ambición y crimen, que propiciaba un acercamiento más firme al cine negro clásico.

Sin duda, ‘La última seducción’ fue el mejor de todos esos acercamientos (junto a la también estupenda ‘Jade’, de William Friedkin), antes del espaldarazo a la estética clásica del noir que, solo unos años después, daría ‘LA Confidential’. La femme fatale es aquí Bridget Gregory (sensacional Linda Fiorentino), una mujer despiadada y sin escrúpulos que roba el dinero de una estafa farmacéutica y va encadenando una traición tras otra a los hombres que la rodean. Un personaje fascinante con un punto de vista despiadado pero no carente de humor y sarcasmo, y que confirmó a John Dahl como un interesantísimo director que, por desgracia, muy pronto se confinaría a la producción televisiva. 

Lazos ardientes (1996)

Directoras: Hermanas Wachowski

Intérpretes: Jennifer Tilly, Gina Gershon, Joe Pantoliano, John P. Ryan, Barry Kivel, Christopher Meloni

Otro de los más interesantes films derivados del éxito de ‘Instinto básico’. El resultado está bien distante de la película de Paul Verhoeven, pero el contexto comercial es indiscutible: se estrenó solo unos años después y con un reclamo morboso muy claro, la relación lésbica, mostrada sin remilgos, entre Jennifer Tilly y Gina Gershon. Ambas son dos mujeres muy distintas pero que se ven inevitablemente atraídas entre sí y deciden atracar al novio de Tilly, el mafioso Caesar (Joe Pantoliano).

Se trata de una subversión de los tropos del cine negro y de las tramas de seducción y mentiras a lo ‘El cartero siempre llama dos veces’. Pero es una subversión mucho más sutil que la de, sencillamente, hacer que una mujer adopte el papel habitual de un hombre. Las Wachowski conocían bien los tropos del noir y, en el que fue su debut como directoras (ya habían escrito la fallida pero interesante ‘Asesinos’), dinamitaron las convenciones con elegancia: el feminismo que proyecta ‘Lazos ardientes’ no va de mujeres que vencen a los hombres con sus propias armas, sino de mujeres que saben aprovecharse de la imagen que proyectan ellas y los machos.

Crítica en Espinof 

L.A. Confidential (1997)

Director: Curtis Hanson

Intérpretes: Guy Pearce, Russell Crowe, Kevin Spacey, Kim Basinger, Danny DeVito, James Cromwell

La película que revitalizó el género a mediados de los noventa y desató una minioleada de películas que reverenciaban el noir clásico con tanta intensidad como lo había hecho ‘Chinatown’ en los setenta. Esta vez, pese a la pátina de reverencia estética y temática a los clásicos, la fuente era de primera categoría: una novela de James Ellroy, clásico absoluto actual del género en literatura, que plasmó una vez más la viciada y opresiva atmósfera de cine negro clásico de Los Angeles, y que Curtis Hanson trasladó perfectamente a imágenes.

Lo hizo con un reparto impecable (los protagonistas casi debutando o en sus primeros papeles extensos o conocidos), perfecto en sus sequísimas y canónicas interpretaciones, y contó un caso de corrupción en un departamento de policía de LA en los años cincuenta y cómo tres policías de caracteres contrapuestos deben encargarse de la investigación. Los cruces entre la corrupción, Hollywood, el tráfico de drogas, la mafia y los intereses políticos no son nuevos en el neo-noir, pero pocas veces han estado tan bien entretejidos como aquí, en una película que recuerda a clásicos como ‘El sueño eterno’, pero que es mucho más que un mero homenaje a los tiempos grandes del género.

Crítica en Espinof

Jackie Brown (1997)

Director: Quentin Tarantino

Intérpretes: Pam Grier, Samuel L. Jackson, Robert De Niro, Robert Forster, Bridget Fonda, Michael Keaton

‘Jackie Brown’, una de las películas menos apreciadas en su momento de la carrera de Quentin Tarantino, pero también una de las que más devotamente ha sido reivindicada con el paso de los años, tuvo la agridulce misión de suceder nada menos que a ‘Pulp Fiction’, la revelación internacional de su director. Es normal que hubiera cierta decepción entre muchos de los cautivados por el ritmo y la estructura de ‘Pulp Fiction’, porque ‘Jackie Brown’ es posiblemente la película menos estridente del cine de Tarantino.

Adaptando a Elmore Leonard, la protagonista (una de las mujeres mejor escritas del cine de su autor), Jackie Brown (Pam Grier), es una azafata que colabora con un traficante de armas (Samuel L. Jackson) hasta que es atrapada por la policía y se ve forzada a aceptar un trato para capturar a su jefe. A medio camino entre el sincero homenaje a la blaxploitation de la que Grier fue abanderada y la atmósfera hosca y espesa del mejor noir, ‘Jackie Brown’ se beneficia de un extraordinario plantel de secundarios (Robert Forster, Bridget Fonda, Robert De Niro, Michael Keaton) y de una absoluta ausencia de cinismo. Fue todo un éxito, pero lo cierto es que su tibia recepción catapultó a Tarantino a la escritura de una buena cantidad de películas (estupendas) mucho más autoconscientes e irónicas que esta joya de honestidad brutal.

Crítica en Espinof


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Las 21 mejores películas de cine negro de toda la historia

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por
John Tones

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"Los cambios bruscos provocan la inadaptación de mucha gente". Pepe Viyuela ('Marcelino, el mejor payaso del mundo')

"Los cambios bruscos provocan la inadaptación de mucha gente". Pepe Viyuela ('Marcelino, el mejor payaso del mundo')

Hace un par de semanas salía a la luz la interesante docuficción ‘Marcelino, el mejor payaso del mundo‘, una historia híbrida entre la recreación y el documental que nos presentaba la desconocida historia del legendario Marcelino Orbés. El trabajo de Germán Roda cuenta con la inestimable colaboración de otro payaso más popular, Pepe Viyuela, que ha tenido el detalle de responder a nuestras preguntas.

De payaso a payaso

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Kiko Vega (KV): ¿Cuándo oyes hablar de Marcelino primera vez?

Pepe Viyuela (PV): Tuve noticia de Marcelino cuando Mariano García publicó un pequeño artículo en el que compartía la noticia de que había encontrado pruebas de su existencia. De esto hará más de diez años. Recorté el artículo y lo guardé. Al cabo del tiempo, Mariano, que había seguido investigando, publicó un libro. En ese momento se produjo la llamada de Germán Roda, el director del documental, proponiéndome participar en su proyecto.

(KV): ¿Te habría gustado dedicarle un relato de ficción entero o crees que es más estimulante esta recreación de alguno de sus momentos privados y circenses?

(PV): Nos hubiera gustado mucho que toda la película fuera una recreación ficcionada, porque la historia de la vida de Marcelino es muy atractiva y muy sugerente. Sobre todo teniendo en cuenta que ha permanecido oculta durante más de un siglo. Si nuestra industria cinematográfica fuera tan poderosa como la norteamericana, a Marcelino Orbés ya se le habría dedicado una superproducción que recreara el Londres y el Nueva York de los primeros años del siglo XX.

Pepe Viyuela Como Marcelino Orbes

(KV): ¿Los números son adaptaciones de Marcelino o son de tu cosecha?

(PV): No sabemos muy bien cómo eran los números que llevaba a cabo Marcelino. Solo hay testimonios escritos y muy escuetos sobre ellos. Lo que hemos hecho al recrearlos es tener en cuenta que se trataba de humor sin palabras y que la torpeza le llevaba a estorbar las actuaciones de otros artistas. Se trata de una recreación muy libre que está basada en mi experiencia como payaso y en otros trabajos que yo había llevado a cabo previamente.

(KV): Tú has sabido adaptarte mejor que nadie a los distintos medios, así que sabes perfectamente por lo que pasó Marcelino. ¿Conoces a muchos Marcelinos de tus tiempos?

(PV): En estos momentos en los que las nuevas tecnologías han cambiado completamente nuestras vidas en muy poco tiempo, es necesario estar muy atento para no quedarse fuera de juego. Los cambios bruscos provocan, sin duda, la inadaptación de mucha gente.
La irrupción de las plataformas, las redes sociales y la globalización de la producción han revolucionado en muchos sentidos, y a veces para mal, nuestra profesión. Si siempre ha sido inestable, hoy en día lo es aún más.

(KV): Hablas del dolor y la risa en el payaso, y pienso en tu Filemón. ¿Fue el papel más redondo para ti a la hora de mezclar talento interpretativo y clown o me estoy flipando?

(PV): Interpretar a Filemón fue toda una oportunidad de mezclar trabajo y diversión. Lo pasé realmente bien y estoy contento con el resultado. Sobre su “redondez” prefiero no opinar. Me divertí mucho, insisto, pero prefiero que sean otros los que opinen sobre mi trabajo.

marcelino chaplin

(KV): ¿Cómo crees que afectará la nueva normalidad al cine?

(PV): Tengo la sensación de que desaparecerán muchas salas y de que eso, evidentemente, afectará al modo en que consumiremos películas. Es posible que acabemos viendo más cine en casa y menos en las salas. Por otro lado, si la producción acaba concentrándose en manos de unas pocas empresas muy poderosas las condiciones laborales seguramente empeorarán. Desde un punto de vista más positivo, también pienso que el avance tecnológico nos permitirá llevar a cabo películas con poco presupuesto, con lo que posiblemente asistiremos a un boom creativo en el que lo más importante será la calidad de la historia y la forma de rodarla. Hay mucho talento deseando mostrarse, muchas historias que contar y eso es imparable.

(KV): ¿Crees que es el momento de recuperar al clown y que nos alegre un poco la situación?

(PV): Los payasos siempre han estado presentes en la historia, sobre todo en los momentos más complicados. El humor no es un artículo de lujo, sino una necesidad para sobrevivir a nuestras propias agresiones. Sin humor pienso que el ser humano ya habría desaparecido de la faz de la tierra. Mientras haya payasos habrá esperanza


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«Los cambios bruscos provocan la inadaptación de mucha gente». Pepe Viyuela (‘Marcelino, el mejor payaso del mundo’)

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Kiko Vega

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Cuando Steven Seagal pudo ser el rey del cine de acción: así se hundió la carrera del actor tras el éxito de 'Alerta máxima'

Cuando Steven Seagal pudo ser el rey del cine de acción: así se hundió la carrera del actor tras el éxito de 'Alerta máxima'

Cuando Steven Seagal pudo ser el rey del cine de acción: así se hundió la carrera del actor tras el éxito de 'Alerta máxima'

La figura del héroe de acción gozó de una gran popularidad en Hollywood durante la primera mitad de los años 90. Actores como Bruce Willis, Sylvester Stallone o Arnold Schwarzenegger estaban en la cima de su carrera y hubo muchos otros que intentaron rivalizar con ellos. Hoy os vamos a hablar del caso de Steven Seagal, quien parecía que iba a convertirse en una gran estrella tras el éxito de ‘Alerta máxima’ y luego su carrera no dejó de ir a menos hasta quedar condenado a ser la estrella de infinidad de títulos que nunca se vieron en una pantalla de cine.

Seagal debutó como actor siendo ya maduro, pues estaba a punto de cumplir 36 años cuando se estrenó ‘Por encima de la ley’, una producción modesta que triunfó en taquilla. A ella le siguieron ‘Difícil de matar’, ‘Señalado por la muerte’ y ‘Buscando justicia’, todas ellas éxitos económicos. Eso llevó a Warner a firmar un contrato en exclusiva con el actor, por quien apostaría a lo grande con ‘Alerta máxima’, una variante de ‘Jungla de Cristal’ que costó 35 millones de dólares y recaudó más de 156. Había nacido una estrella, o eso creíamos al menos.

Difícil de tratar

Encima Leu

Lo cierto es que para entonces la reputación de Seagal no era precisamente buena. Como sus películas daban dinero, era algo a lo que el estudio no prestaba especial atención, pues ya en 1991 participó en un episodio de ‘Saturday Night Live’ que fue un desastre en todos los sentidos, desde su actitud de estrella que se cree por encima de todos en los ensayos hasta la propia ejecución del programa. Tanto es así que fue vetado del espacio de ahí en adelante, llegando a ser catalogado como el peor presentador de la historia del ‘Saturday Night Live’.

Ese mismo año también fue el protagonista de un relato que él niega que sucediera, pero el luchador profesional Gene LeBell, que estaba trabajando como doble en la película ‘Buscando justicia’, supuestamente dejó inconsciente al actor cuando Seagal afirmó que nadie sería capaz de ahogarlo. La leyenda cuenta que incluso perdió el control de su esfínter y se cagó encima. Nunca confirmado por ninguno de los implicados, aunque LeBell sí dejó caer que era cierto, lo que es seguro es que no se hizo público en su momento, por lo que la imagen de Seagal de cara al público no se vio dañada.

Los acuerdos extrajudiciales también le salvaron de varios escándalos ese año, pues fue acusado de acoso sexual por parte de varias trabajadoras de Warner, una actitud recurrente que le valdría varias demandas más a lo largo de su carrera, incluso cuando ya había sido olvidado por cualquiera que no fuese un fan acérrimo suyo.

Lo que sí sabía Warner por aquel entonces es que el actor era un tanto exigente, porque inicialmente había rechazado participar en ‘Alerta Máxima’ y hubo que hacer varios cambios en el guion. Una petición hasta cierto punto razonable, pero que a su manera servía de aviso para el egocentrismo que hundiría su carrera. El primer paso para ello fue no estrenar cinta alguna en 1993 y apostarlo todo a la carta de ‘En tierra peligrosa’, un proyecto muy querido por él que supondría además su primera y única experiencia como director.

Más dura será la caída

En Tierra Peligrosa

Por aquel entonces, Seagal estaba empeñado en debutar tras las cámaras, pero otro proyecto que tenía en marcha se canceló en el último momento y decidió aceptar la oferta de Warner para hacer ‘En tierra peligrosa’ a cambio de que luego se pusiera manos a la obra con ‘Alerta máxima 2’. Parecía el plan perfecto para tener contento al actor, pero pronto llegaron los problemas, ya que ‘En tierra peligrosa’ contaba con un fuerte mensaje de defensa del medio ambiente, algo muy en consonancia con los ideales de Seagal, que provocaron un fuerte rechazo en los pases de prueba.

Seagal aceptó hacer algunos ajustes en el final de la película, pero ‘En tierra peligrosa’ acabó siendo el primer fracaso de su carrera, poniendo así en duda su recién adquirida condición de estrella de acción. Además, el lanzamiento de la película vino acompañada poco después por otra demanda de acoso sexual -entre otras acusaciones- que supuestamente tuvo lugar durante el rodaje de la película. Sin embargo, las acusaciones fueron finalmente desestimadas.

Alerta Maxima 2

Una actitud recurrente por parte de Seagal, pues durante la preproducción de ‘Alerta máxima 2’ también se sobrepasó con Jenny McCarthy al exigir que se desnudara durante una prueba y cuando ella se marchó indignada, el actor la siguió para exigirle que nunca contase nada de lo sucedido. McCarthy lo hizo público en 1998, afirmando que sabía que Seagal no la demandaría porque sabía que era cierto y calificándole como “un jodido gilipollas”.

Pero no nos adelantemos tanto, ya que traspieses también hubo en las carreras de Willis, Stallone o Schwarzenegger. Nada que no se pudiera resolver si ‘Alerta máxima 2’ arrasaba en taquilla.  Además, Warner lo puso todo de su parte, elevando el presupuesto hasta los 60 millones de dólares. Una apuesta arriesgada solo en parte, ya que únicamente tenía que recaudar lo mismo que la primera entrega para dar beneficios.

Tomemos como referencia el caso de ‘Jungla de Cristal’, claro referente de la franquicia ‘Alerta máxima’. La primera aventura de John McClane costó 30 millones de dólares y recaudó 141, cifras similares a las de ‘Alerta máxima’. Para ‘La jungla 2: Alerta roja’ el coste se disparó hasta los 70 millones, pero los ingresos subieron hasta los 240. Seguro que en Warner confiaban en algo así con ‘Alerta máxima 2’, pero la realidad fue bien distinta.

Dejando a un lado su interés como cinta de entretenimiento, la cuestión es que ‘Alerta Máxima 2’ solamente recaudó 105 millones de dólares. Un fracaso en taquilla que dejaba en una posición muy frágil a Seagal dentro de Hollywood, sobre todo después de su imposición de reescribir la mayoría de las escenas en las que aparecía su personaje. No era fácil trabajar con él, pero es que además ya no ofrecía nada a cambio que lo compensase.

Hundido y sin remedio

En Warner ya debieron olerse la tostada, por lo que para su próxima película jugaron con la presencia de Seagal de una forma totalmente inesperada por aquel entonces: su personaje moría al de pocos minutos de metraje de ‘Decisión critica’ y el verdadero protagonismo recaía entonces en Kurt Russell. Nunca quedó del todo claro que ese fuera el papel inicialmente previsto para él -o que incluso su muerte fuera así, pues se ha llegado a decir que se negó a rodar la que estaba en el guion por si no le gustaba a sus fans-, pero John Leguizamo sí ha dejado claro que su comportamiento en el set no fue precisamente ejemplar.

Por lo visto, Seagal se presentó el primer día de ensayos señalando que “todo lo que digo es ley” y chuleándose pese a contar con un personaje secundario. Leguizamo se rió de su comentario, por lo que Seagal se abalanzó sobre él, le golpeó con su codo y casi le dejó sin respiración. Apenas habían pasado tres años desde el éxito de ‘Alerta máxima’ y ya había quedado reducido a ser un actor problemático que encima ha encadenado varios fracasos en taquilla.

Glimmer

Como era de esperar, Warner dejó que su contrato con el actor llegase a su fin con dos títulos de presupuesto más contenido que tampoco fueron bien económicamente como ‘Glimmer Man’ o ‘En tierra peligrosa 2’. Su respuesta para intentar recuperar la gloria fue participar en ‘El último patriota’, una cinta en la que las escenas de acción perdían peso, recuperaba ese mensaje de conciencia ecológica y además aparecía en pantalla por primera y última vez junto a su hija en la vida real Ayako Fujitani.

El resultado fue que ni siquiera llegó a estrenarse en cines en Estados Unidos, poniendo así fin de forma clara a cualquier posibilidad de Seagal reinando Hollywood. De hecho, apenas ninguna de sus películas posteriores se llegaron a ver en salas, algo que ni siquiera logró impedir ‘Heridas abiertas’. Estrenada en 2001, sí puede decirse que fue un éxito en taquilla -costó 33 millones y recaudó casi 80-, pero su imagen en Hollywood ya estaba por los suelos y ninguno de sus posteriores intentos de resucitar artísticamente han triunfado.

Así es como Seagal pasó en apenas unos años de ser la próxima gran estrella de Hollywood a un apestado que sigue trabajando rodando subproductos de acción directos a vídeo o el mercado digital. No es el único que ha sufrido un destino parecido -Bruce Willis también estrena cada castaña últimamente que ya puede dar gracias a Shyamalan por recuperarlo para ‘Glass’-, pero sí el que lo ha hecho en menos tiempo y sin apenas poder llegar a saborear las mieles del éxito por culpa de su propia actitud.


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Cuando Steven Seagal pudo ser el rey del cine de acción: así se hundió la carrera del actor tras el éxito de ‘Alerta máxima’

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por
Mikel Zorrilla

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'Outer Banks' renovada: el nuevo éxito adolescente de Netflix tendrá temporada 2

'Outer Banks' renovada: el nuevo éxito adolescente de Netflix tendrá temporada 2

'Outer Banks' renovada: el nuevo éxito adolescente de Netflix tendrá temporada 2

Otra cosa no, pero el manejo del big data de Netflix hace que sepa perfectamente qué es lo que quiere la gente y, de vez en cuando acierta. Es el caso de ‘Outer Banks’ su serie adolescente que, según la plataforma, ha sido la ficción más vista durante las tres semanas siguientes a su estreno.

Y estos datos le ha valido la renovación de una segunda temporada. Jonas Pate (‘Aquarius‘), su showrunner, ha confirmado que andan trabajando desde hace tiempo en los guiones de esta nueva entrega. Pate, además, tiene una visión de unas cuatro o cinco temporadas con este grupo de adolescentes.

Estrenada el pasado abril, la ficción sigue a un grupo de adolescentes que viven en el destino turístico de los Outer Banks de Carolina del Norte. La trama arranca cuando un huracán desabastece de energía la zona durante la temporada alta, lo que desencadena en una serie de eventos ilícitos que fuerzan a los amigos a tomar decisiones vitales.

Los «pogues» se embarcarán en la búsqueda del padre de uno de ellos (Chase Stokes) mientras que lidian con temas de romances, drogas e incluso búsqueda de tesoros. Junto a Stokes, Madelyn Cline, Madison Bailey, Jonathan  Daviss, Rudy Pankow, Austin North, Drew Starkey, Deion Smith, y Charles Esten forman parte del reparto de la serie.


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‘Outer Banks’ renovada: el nuevo éxito adolescente de Netflix tendrá temporada 2

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Espinof

por
Albertini

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