Venecia 2019: 'Joker' es un buen entretenimiento que combina rupturismo con fan service

Venecia 2019: 'Joker' es un buen entretenimiento que combina rupturismo con fan service

«Welcome to Fear City», rezaba el panfleto político creado por la policía de Nueva York para amenazar al alcalde de la ciudad y entregárselo a los turistas a mediados de los años 70. La crisis civil y la ola de crímenes decrecieron, pero el concepto permaneció en la historia.

Lo han tratado películas como ‘Taxi Driver‘ o ‘Malas Calles’, pero también cómics como ‘Sin City’ o ‘Watchmen’. El de la ciudad corrupta y degenerada es un concepto muy potente que hace resonar en nosotros algún tipo de verdad. Por supuesto, no hay ningún universo que más haya explotado esta visión sobre Nueva York que el de Gotham, así que sería lógico que esta idea apareciese en algún grado por la nueva película de Todd Phillips.

Pero de ahí saltamos a la siguiente cuestión, la que está inexorablemente unida a la constante contradicción de la figura del Joker. Contar su origen es explicarle, y explicarle es el primer paso para sanarle. Entonces, ¿es el comediante en verdad un producto de sus circunstancias, del ecosistema urbano y social que vive; se trata más bien de un auténtico e irreconciliable agente del caos; o es, en el fondo, la criatura más cuerda del universo?

La historia de Fear City

Aunque el guión introduce en ocasiones pequeños juegos malabares vacilando con todas las opciones, Joker termina por casarse con la primera. Así, la de Joker es la historia de la Fear City. La del pánico moral que supuestamente nos aflige y que también están explorando sagas recientes como ‘La Purga’, de la que algunos periodistas nos hemos acordado durante el pase de prensa de esta mañana en Venecia. Se ve que es un tema que ahora mismo está tocando alguna fibra sensible. 

‘Joker’ no es en absoluto el desastre que algunos de sus tráilers anticipaban. Tampoco estamos ante una fantasía del arte y ensayo, sigue siendo una superproducción altamente controlada en la que se siente que se han aparcado ciertos elementos que faciliten la supervivencia de la franquicia y de su campaña de marketing. La trama y el montaje están perfectamente ensamblados de forma que ni a los espectadores con déficit de atención se les escapen los mensajes de la película.

Pero es un buen entretenimiento en el que, como mínimo, se han hecho esfuerzos por combinar ideas rupturistas con un fan service para con los espectadores del cine de superhéroes (o de la visión estereotipada de estos espectadores que podrían tener los hombres de los despachos). La presencia de alguien tan apasionado con la actuación como Joaquin Phoenix ayuda, indudablemente, pero también es verdad que hay momentos en que la cámara se pavonea de forma muy poco elegante de su transformación física y psicológica, como si fuese un “celebrities” chanante del intérprete.

No escapa de la influencia de Nolan

Joker

De lo que no escapa la cinta, ni quiere, es de la atmósfera grave del Batman de Nolan, de ese mal llamado cine de superhéroes “adulto”, razón por la que, sospechamos, sus responsables han buscado que el origen del villano sea plausible en el mundo real, lo que a su vez, sospechamos, condiciona que esa explicación más sencilla de nuestro Joker sea la de un sistema socioeconómico en plena putrefacción.

Volviendo con el principio, una pregunta que podríamos hacernos es si ese Joker por el que se ha decantado la película es el que nos gusta, si no resonaría con más fuerza el potente mito del payaso loco con un enfoque sobre sus raíces más ambiguo. Durante una de las escenas más tensas de la película el propio Arthur Fleck ya completamente metamorfoseado en Joker lo dice así a cámara. Él no quiere casarse con la masa enfurecida contra el poder que monta barricadas y mata a policías en las calles que él mismo ha provocado.

No es ningún justiciero anti 1%. Pero tampoco es un simple enfermo mental, como dictan desde el otro lado. Él sería, en buena parte, un continente vacío en el que cada uno de nosotros proyecta los deseos semióticos que queremos ver. Esto se dice en voz alta. Para acto seguido dar rienda suelta a un carrusel de imágenes-mito que glorifican el “4 the lulz”.

No sabemos si Todd Phillips es, entonces, un inconsciente o alguien perfectamente cuerdo.


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Venecia 2019: ‘Joker’ es un buen entretenimiento que combina rupturismo con fan service

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Esther Miguel Trula

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'Castle Rock' desvela a 'Misery' como inspiración para su segunda temporada en octubre

'Castle Rock' desvela a 'Misery' como inspiración para su segunda temporada en octubre

Aunque todo parecía a apuntar a ‘El resplandor’ como base para la segunda temporada de ‘Castle Rock’ debido a la tenue pista que se daba en su conclusión, a modo de teaser, Hulu ha anunciado por redes sociales la llegada de su segunda temporada en octubre. Y no hay lugar a dudas: ‘Misery’, la historia de Annie Wilkes, la fan desquiciada de la novela (y película de Rob Reiner protagonizada por Kathy Bates) será su inspiración.

‘Castle Rock’: «Soy su fan número uno…»

El teaser no dice mucho más allá de mostrar el logo de la serie y una fecha, 23 de octubre, pero su slogan no deja ningún lugar a dudas: ‘Misery arrives’, o ‘Misery llega’. Algo se había adelantado con el anuncio de que Annie Wilkes sería interpretada por Lizzy Caplan. Posiblemente estemos ante una pseudo-precuela de la novela de King, ya que también se anunció que Elsie Fisher daría vida a la hija adolescente de Annie que duda de la salud mental de su madre, y que desencadenará una guerra entre clanes en Castle Rock.

Quizás no sea demasiado conveniente darle muchas vueltas a cómo encajará todo ello en el kingverso, debido a la forma en la que la primera temporada engarzaba realidad y ficción, y todo en el contexto del pueblo imaginario de Castle Rock. Por ejemplo, también se sabe que Tim Robbins dará vida a uno de los personajes que aparecían en la novela corta ‘El perro de la Polaroid’… aunque como Sissy Spaceck en la primera temporada, sin duda será relevante que haya sido protagonista de una de las adaptaciones clave de Stephen King, ‘Cadena perpetua’.

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John Tones

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Venecia 2019: ‘El oficial y el espía’. Polanski evoca la polémica de su propia historia en un thriller tan eficaz como convencional

Venecia 2019: ‘El oficial y el espía’. Polanski evoca la polémica de su propia historia en un thriller tan eficaz como convencional

Acudes a la gala de presentación o no. Entras o no entras al pase de prensa. Te sumarás a los previsibles aplausos o a los abucheos. No importa demasiado cuál sea tu elección porque la proyección de ‘El oficial y el espía’ (‘J’accusse’), su presencia en la competición oficial, está obligando a todo el aparato de la industria del cine presente en Venecia a lo mismo: posicionarse políticamente acerca de la conveniencia de seguir dando espacio al cineasta que mantiene pendiente un juicio por violación desde hace 40 años.

Sacar el tema no es un capricho de la prensa, siempre deseosa de crear narrativas y polémicas para vender sus piezas. Es el propio dossier promocional de la obra el que habla de ello cuando podría perfectamente no hacerlo.

Un Polanski creativamente agotado

Su entrevistador, Pascal Bruckner (y cuya novela ‘Lunas de hiel’ acabó siendo adaptada por El que no debe ser nombrado) pregunta: “¿sobrevivirás al actual macartismo neofeminista que, además de intentar evitar la proyección de tus películas, entre otras vejaciones, consiguió que te expulsaran de la Academia de los Oscar?”. A lo que se le responde: “debo admitir que me resultan familiares muchos de los métodos del aparato de persecución mostrado en el film, algo que claramente me ha inspirado”.

Sólo para dejarlo claro, la persecución a la que alude Polanski, sobre la que gira enteramente su película, es el caso Dreyfus, uno de los episodios más infames de la historia de Francia, ejemplo de los primitivos linchamientos populares de la sociedad de masas y también un hito de las cloacas del Estado y los peligros de ese aparato que vive para autoperpetuarse en el poder llamado ejército.

En 1894 se acusó de alta traición a un judío injustamente, con pruebas fabricadas, y buena parte del pueblo aplaudió la decisión feliz de haber encontrado a su chivo expiatorio, los sucios usureros. Un terreno allanado para denunciar el auge de los populismos y del resurgir de la violencia xenofóbica. Y aunque su director confirma esta mirada preocupada por el actual antisemitismo, también elige ligar el discurso de la película con su propia historia.

Roman Polanski Rape Allegations Interview

En su ficción, él es también una víctima. Dreyfus, quien vivió encarcelado durante cinco años en una remota isla, sin ningún estímulo externo, esposado a su cama durante las noches, es también Polanski, el aclamado director de 86 años que sufrió una caza mediática por el asesinato de su esposa y al que se llegó a culpar de la muerte de la misma, sí, pero también un prófugo de la justicia acusado por cinco mujeres de haber abusado sexualmente de ellas que sigue viviendo cómodamente en Europa y que, pese a esa persecución feminista, sigue recibiendo millones de dólares y la oportunidad de filmar con grandes estrellas compitiendo en los certámenes más prestigiosos del mundo.

Bien, ¿y todo este revuelo para qué? Viendo los resultados, la decisión es aún más injustificable. Las dos horas de ‘El oficial y el espía’ se pueden suplir sin ningún problema con una lectura de la entrada extendida de la Wikipedia de los acontecimientos históricos recreados. Suena frívolo esto, pero es una respuesta sincera.

Los 25 millones de dólares del proyecto, una de las películas más caras de la cosecha francesa, han garantizado unos espectaculares valores de producción para un filme actuado, montado y dirigido como la más convencional de las películas de sobremesa. Nadie ni nada está fuera de lugar, el caso Dreyfus en sí es muy nutritivo cinematográficamente hablando, ya que sus hechos componen un thriller legal perfecto, pero como producto está obsoleto.

En caso de extrema necesidad de alguna obra así, mejor acudir a cualquiera de las últimas de Spielberg. Aquí la pantalla nos devuelve el reflejo de un director creativamente agotado o desinteresado. Una cosa muy triste. De la que no deberíamos estar hablando.


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Esther Miguel Trula

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Nikita, Lucy y Anna: las asesinas del cine de Luc Besson y su evolución

Nikita, Lucy y Anna: las asesinas del cine de Luc Besson y su evolución

Lucy. Anna. Nikita. Tres mujeres muy distintas, de nacionalidades muy distintas y con un pasado muy distinto con una cosa en común: son perfectas máquinas de matar. Con el estreno de su última película, vamos a recordar  que el cine del director de películas tan recordadas como ‘El profesional (Léon)’ o ‘El quinto elemento’ se vuelve especial cuando sus películas llevan nombre de mujer.

Tres mujeres para un caradura

No está la cosa para andar con tonterías ni tomarse a la ligera los seísmos provocados en el mundo del cine. Escándalos que no parecen tener fin, documentales que los recrean y lluvias de denuncias y / o acuerdos extrajudiciales se han apoderado de los bajos del cine, y parece que nadie está libre de pecado.

El tiempo y la justicia decidirán qué hay de cierto y que no en el caso del director francés, pero es indudable que el director francés ha ofrecido toneladas de diversión a los públicos del mundo. 

Nikita fue la primera. El primer amor. Punk, libre, alocado. En la frontera entre las dos etapas más horteras de la historia del vestuario del ser humano, Luc Besson llevaba tres películas más o menos respetadas (a pesar de ser un título de culto, ‘El gran azul’ fue masacrada por la crítica) cuando inauguró su mundo personal de asesinos de élite. De hecho, por momentos, parece un crossover entre los personajes de ese universo.

La aparición del personaje de Jean Reno, un eliminador de altura, está tan arriba que poco después tendrá su propio vehículo personal con la película que presentaría al mundo a Natalie Portman

Nikita Cabecera

Macarra, antisistema y romántica, Nikita puede que tenga el plano de título de créditos más potente de la filmografía de un director que de vez en cuando sigue dando en la diana. No olvidamos el impacto de la película en el mundo, que logró no solo su serie de televisión propia, también vio como Hollywood presentaba su visión en manos de un artesano de los que no quedan. Mucho cuidado, que el why so serious no lo inventó el Joker de Nolan.

Su carácter radical la convierten en una imprevisible máquina de matar salvaje y asilvestrada. Su capacidad de aprendizaje es también una amenaza. Nivel de alerta: 7

Después de Juana de Arco y Adèle, Besson volvía a las andadas. La elegida en ese caso fue ‘Lucy’, a la que Scarlett Johansson dotó de vida, energías y un sinfín de dotes especiales.

Aquí estamos ante una hermana perdida de esa época no tan lejana en la que Hollywood se empeñaba en tratar de refrescar el panorama superheróico con propuestas más o menos originales, como ‘Push‘ o ‘Jumper‘.

Lucy

La primera parte de Lucy es divertidísima, alternando en un montaje paralelo el origen y ascenso de un ser superior con una conferencia de Morgan Freeman en pleno TED. Sin cortarse lo más mínimo, Besson presenta una suerte de ‘Érase una vez el ser supremo’ alternando escenas de documental con aires de campaña publicitaria tecnológica y un thriller del siglo XXI.

‘Lucy’ es un disparate realmente hermoso, con aires de cómic y de apenas noventa minutos. Y todo ello en un par de dimensiones. Como dios manda. Lucy se transformará en una diosa por culpa de las drogas. Manejará a su antojo todo lo que la rodea y logrará cualquier cosa que se proponga. Una especie de T-1000 orgánico. Nivel de alerta: total.

El último ligue letal (ficticio) de Besson es una joven rusa de aspecto angelical a la que también ha transformado en una asesina internacional. Lo cierto es que en gran medida se trata de una revisión sofisticada del primer título de la lista. 

‘Anna’ es como ‘Nikita, dura de matar’, pero en una versión madura, sofisticada, cansada del ajetreo punk de su juventud. De tocar en locales ocupados, de escupitajos y orines en el escenario. La criatura ha madurado y ha aprendido a tocar instrumentos de verdad. Podríamos decir que en este caso no hay evolución, puesto que resulta imposible mejorar a una máquina perfecta como la anterior, pero en este caso, como todo vuelve, no está de más recibirla con los brazos abiertos y aplaudir sus aires retro.

Al juego se apunta una irreconocible Helen Mirren y un par de hombres, al fin, floreros en el espionaje global. Un juego de muñecas rusas mucho más trepidante y entretenido que la mayoría de estrenos de un verano poco espectacular. Nivel de alerta: 7. Volvemos a empezar.


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por
Kiko Vega

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"Aunque estuviese leyendo 'Mujercitas', pensaría que podría funcionar con Luis Tosar": Paco Plaza, director de 'Quien a hierro mata'

‘Quien a hierro mata’ ya está en nuestros cines y, con ella, Paco Plaza no sólo ha conseguido asfixiar al respetable durante una hora y cuarenta minutos imprescindible que se sitúa automáticamente entre lo mejor del año. Además, ha logrado ir un paso más allá en cuanto a calidad se refiere dentro de su filmografía; algo que se antojaba muy complicado después de esa joya del terror patrio titulada ‘Verónica’.

Con motivo del estreno de su nueva película, protagonizada por un Luis Tosar tan descomunal como de costumbre, he podido charlar con el director valenciano sobre narrativa, costumbrismo, influencias coreanas y algún que otro tema más durante una entrevista que no tiene desperdicio. Aquí la tenéis. 

«Soy un fanático del cine coreano».

  • Vamos a empezar por el principio. Y cuando digo por el principio, me refiero al primer plano de la película. 

Vale (risas).

  • Me ha recordado mucho al de ‘Brawl in Cell Block 99’. Pero aquí, en lugar de una lata de cerveza revientas un mejillón de un manotazo. Con este plano parece que ya nos estés contando todo lo que teníamos por delante…

Siempre es un desafío encontrar la imagen final y la inicial de las pelis. De alguna manera, la primera imagen tiene que ser un titular y la última un compendio. Así es como me gusta pensar o estructurar la puesta en escena de las pelis.

La imagen del mejillón simboliza muchas cosas: es la violencia rompiendo el equilibrio, te sitúa geográficamente en un lugar y, sobre todo, es una declaración de intenciones de cara al espectador, decirle que lo que vas a hacer es reventarle algo delante de sus ojos, algo que le sacuda, algo muy violento.

  • Como dices, es muy importante encontrar un primer plano y un último. En este caso, la bofetada final es tremenda y resume muy bien las lecturas que explora la película sobre la familia y las herencias, a veces indeseadas. ¿Hay alguna inquietud personal tras estos temas? 

El guión de la película me lo propuso Emma Lustres, de Vaca. Lo leí, y cuando llegué a la imagen final me quedé en shock y pensé que quería rodarla. Es muy difícil encontrar una peli cuya imagen final resuma tan bien una trama y el corazón de una peli. En este caso, el rollo de cómo alimentarte de rencor sólo te va a conducir a una espiral de odio que no lleva a ningún sitio. Esta imagen final es la que me decidió a hacer la peli. Me impactó tanto que pensé que impactaría igual a todo el que la viese.

  • Al igual que este plano final, la película tiene muchas imágenes símbolo muy elaboradas y evocadoras. Viendo todas estas imágenes y respirando la atmósfera de la película, da la sensación de que te hayas marcado un thriller coreano a la gallega. No creo que sea coincidencia que el otro día subieses a instagram una foto con Park Chan-wook en Sitges…

Totalmente, soy un fanático del cine coreano. Especialmente de Park [Chan-wook], pero también de Bong Joon-ho, de Kim Ki-duk… lo que más me gusta de toda esta generación nueva de cineastas coreanos es cómo su aproximación a las películas es más poética que narrativa. Por ejemplo, en toda la trilogía de la venganza de Park, muy por encima de la trama está la manera en que explica la acción. Ahí hay algo que he intentado aplicar en esta peli, que es cómo la cámara se mueve por la psicología del personaje más que por la acción que está relatando. Es una influencia muy confesa. Mi intención era que tuviera ese hálito que tienen las películas coreanas, que es el poco apego a la trama y más al tono y a la poesía de las imágenes.

  • Además de en el tratamiento de la cámara y en el apego por la poesía, se nota en temas de estructura, porque a los coreanos les mola mucho esto de retorcer los tres actos y cambiarte la película cuando menos te lo esperas.  

Tal cual. Nosotros, con David, el montador, lo llamábamos el cuarto acto. Hablábamos de que la película terminaba y luego empezaba un cuarto acto. 

  • Siguiendo con temas de imagen. Con Pablo Rosso llevas trabajando desde ‘Abuelitos’, hace veinte años, y en la película tienes momentos muy contenidos y sobrios combinados con escenas muy libres y experimentales. ¿Cómo trabajásteis el aspecto visual? ¿Qué directrices teníais?

Por un lado tenemos el tratamiento de cámara. Con Pablo hablamos que los movimientos de cámara siguiesen la emoción y no la acción. Por eso hay momentos en los que el traveling es estable, sobre ruedas y de acercamientos lentos, y momentos en que es súper loco y tiramos de cámara en mano. 

Por otro lado, en el aspecto fotográfico, como la película retrata ese viaje de la luz a la oscuridad, queríamos presentar a Luis con el rostro bañado en luz, sin ninguna sombra, y que la aparición del personaje de Antonio lo que va haciendo es añadirle sombras en la cara. Cada vez su rostro es más maltratado por la luz. Con Pablo curramos mucho ahí, y con una premisa muy interesante, que es que sólo podía haber un único punto de luz en cada escena. Esto le complicó mucho la vida, pero hizo que el trabajo fuera muy interesante.

  • Cuando salió el primer avance de la peli, muchos flipamos, porque siempre te asociamos con el género de terror, y aquí, teóricamente tenemos un thriller. Pero hay una fina línea que lo separa de una película de terror al uso. ¿Dónde la encajas tú?

Yo diría que es un thriller mezclado con una tragedia familiar, con un drama. Si tuviese que elegir una pestañita de la Fnac sería thriller.

  • Independientemente del género, siempre te las apañas para meter un puntito costumbrista. Sigo enamorado de las entrevistas en la portería de ‘[·Rec]’. Aquí tenemos las secuencias con los abuelos y con el personaje de Luis cuidándoles… ¿Cómo te las apañas para que sea tan orgánico en una película tan turbia?

No lo sé… Yo siempre creo que las películas tienen que transcurrir en un lugar y en un momento concreto. Me gusta la idea de ser muy fiel al lugar en el que ruedas, en este caso Galicia, y en este caso el costumbrismo llega de intentar retratar la realidad. De que los personajes sean personas de verdad, o los lugares. De hecho, rodamos en una residencia que estaba en activo; la hora de la comida que está rodada es la hora a la que comían los ancianos de verdad, los enfermeros que aparecen no son actores, el ginecólogo es un ginecólogo de verdad… Me gusta mucho la idea de no perder nunca el contacto casi documental con la realidad que retratas.

  • Suele tenderse a falsear la realidad a favor del tono o del estilo de la película…

Yo prefiero abrazar lo que la realidad te ofrece, no intentar estilizarla o falsearla. En esta peli hay una serie de decisiones muy concretas que llevan al naturalismo, desde el hecho de rodar un parto real a que el ginecólogo sea de verdad, que los ancianos que aparecen sean residentes de esa residencia en concreto… Me gusta mucho eso, infiltrar nuestra peli en una realidad que existe.

wahm

  • Tal vez esta realidad sea uno de los elementos que hacen funcionar tan bien el drama y la ficción.

Yo creo que sí. Te hace empatizar más, te hace creer que los personajes son personas de verdad, y favorece la suspensión de credulidad.

  • Precisamente es esto lo que hace que acabes conectando tanto con el personaje de Luis Tosar. ¿Fue una selección automática para el papel protagonista? 

Aunque estuviese leyendo ‘Mujercitas’, pensaría que podría funcionar con Luis Tosar. Podría hacer funcionar cualquier cosa y es increíble verle trabajar. Cómo consigue dar verdad a todo lo que hace es increíble. He sido fan de Luis durante años y verle trabajar ha sido un privilegio, y entiendo que todo el mundo quiera repetir con él.

  • ¿Le dejabas muy libre?

Muy libre. Esto es como Messi. Si tienes a Messi no le puedes decir que juege en la banda. Messi que esté por ahí, que haga lo suyo. Luis es un artista, es parte de la elaboración de la peli. Nuestro trabajo ha sido muy colaborativo. Hubo un trabajo previo de explorar el personaje, de llegar a una serie de acuerdos sobre cómo veíamos el personaje, pero Luis es un actor ultradisciplinado hasta extremos increíbles y todo es muy fácil con él. Te lo pone todo muy fácil. Partes de una base que está muy bien y ya sólo hay que buscar el matiz, y te lo reproduce con la intensidad exacta. Imagínate decirle ‘Oye, Luis, me molaría que cuando le estás diciendo esto, en realidad estás diciendo lo contrario’. Y te lo da. 

  • Además es un papel muy complejo, por los claroscuros y la ambigüedad moral…

Sí. Ya sabiendo que era Luis, hay escenas que se reescribieron, sabiendo que eran cosas que él podría hacer. Por ejemplo, hay una escena que empieza con el riéndose y que termina llorando viendo la tele, que la escribimos pensando: ‘esto Luis lo puede hacer’. Este tipo de cosas tan sutiles las hace muy bien. 

  • ¿Por cierto, ‘Maldito viernes’ va a llegar algún día?

No… Ya se quedó atrás. Ojalá. Peli de vampiros sí que haré, pero ‘Maldito viernes’ ya no.

  • Con que me digas que peli de vampiros sí, ya me quedo contento.

Es una espina que tengo clavada. Tengo que hacer una peli de vampiros.

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por
Víctor López G.

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Todas las películas y series que abandonan Netflix en septiembre 2019

Todas las películas y series que abandonan Netflix en septiembre 2019

Estamos a punto de despedirnos de agosto y, como siempre, tras ver las novedades de Netflix (y de HBO y Movistar) llega el turno para ver aquellas películas y series que se darán de baja en el catálogo de la plataforma durante el próximo mes de septiembre.

Durante septiembre, entre los contenidos que Netflix elimina este mes en España estará ‘American Horror Story‘ que dejará de estar disponible junto a series como ‘American Odyssey’ y cintas animadas como ‘Los Minion’. En Latinoamérica llega el turno de despedirse de franquicias como ‘Jurassic Park’ y las de Bourne, entre otras.

Nota: Este listado es provisional, durante todo el mes iremos actualizando según vayamos sabiendo nuevos títulos.

Netflix España

  • ‘La búsqueda’  (1/9)
  • ‘Primer contacto: Una tribu perdida de la Amazonia’ (4/9)
  • ‘In lawfully yours’ (5/9)
  • Minions‘ (5/9)
  • American Horror Story‘ (7/9)
  • ‘Mischievous Kiss – Love in Tokyo’ (14/9) 
  • ‘Mischievous Kiss 2 – Love in Tokyo’ (14/9) 
  • ‘Listen to love’ (14/9) 
  • ‘Strong Girl Bong-soon’ (14/9) 
  • ‘American Odyssey’ (15/9) 

Netflix Latinoamérica

1 de septiembre

  • ‘Cazadores de mitos’ 
  • ‘City 40’ 
  • ’99’ 
  • ‘Inside Man’ 
  • ‘Live and let live’ 
  • ‘Burn burn burn’
  • ‘Nothing in return’ 
  • ‘Hector’ 
  • ‘Trainer’
  • ‘Happy’ 
  • ‘When loves happens’ 
  • ‘Lunch time heroes’ 
  • ‘Invasion 1897’
  • ‘Gbomo Gbomo express’
  • ‘The Duplex’
  • ‘Out of luck’
  • ‘Miss lovely’
  • Quantico
  • ‘Stalkers who kill’ 
  • ‘YooHoo and Friends’
  • ‘Can’t Run from love’
  • ‘Francisco. El Padre Jorge’
  • ‘Sky High’ 
  • ‘Una noche de amor’
  • Inhumans
  • ‘Miss Saigon’ 
  • ‘Mexico Barbaro’
  • Criminal Minds
  • ‘The Last Hour’
  • ‘A river below’ 
  • ‘Beverly Hills Cop III’
  • ‘The Cider House Rules’
  • ‘The Last Elvis’
  • ‘Route 35’
  • ‘The Catch’
  • ‘The Mechanic Resurrection’
  • ‘The Break-up’
  • ‘Johnny English’
  • Johnny English Reborn
  • Love Actually
  • El legado de Bourne
  • Kick-Ass
  • ‘Jurassic Park’ 
  • ‘The Lost World: Jurassic Park’
  • Jurassic Park III 
  • ‘Baby Boy’
  • ‘El rey escorpión’
  • ‘The Purge’ 
  • ‘The Bourne Identity’ 
  • The Bourne Ultimatum
  • ‘The Mummy’
  • ‘The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor’ 
  • ‘The Mummy Returns’ 
  • ‘Snow White and the Huntsman’

Resto de septiembre

  • ‘Father’s Chair’ (2/9)
  • ‘Legendary’ (2/9)
  • ‘Suite Francaise’ (4/9)
  • ‘In-Lawfully Yours’ (5/9)
  • ‘Revenge’ (15/9)
  • ‘Mischievous Kiss – Love in Tokyo’ (15/9)
  • ‘Mischievous Kiss 2’ (15/9)
  • ‘The Furchestel Hotel’ (15/9)
  • ‘Listen to Love’ (15/9)
  • ‘Strong Girl Bong-soon’ (15/9)
  • ‘Transporter: The Series’ (15/9)
  • ‘Super genius’ (16/9)
  • El tiempo entre costuras‘ (20/9)
  • ‘Kevin (Probably) saves the World’ (25/9)

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Todas las películas y series que abandonan Netflix en septiembre 2019

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La temporada 5 de 'Outlander' ya tiene fecha de estreno: los Fraser regresan en febrero de 2020

La temporada 5 de 'Outlander' ya tiene fecha de estreno: los Fraser regresan en febrero de 2020

Starz al fin ha puesto fecha al regreso de una de sus series estrella: la quinta temporada de ‘Outlander’ se estrenará en exclusiva en dicho canal el 16 de febrero de 2020 -a España llegará un día después de la mano de Movistar-, apenas dos días después de San Valentín. De esta forma, la esperada desde la emisión de la cuarta tanda de episodios se queda en casi 13 meses.

La quinta temporada de ‘Outlander’ adaptará ‘La cruz ardiente’, también quinta entrega de la saga literaria escrita por Diana Gabaldon. En ella, Jaime tendrá que hacer malabarismos para defender lo que ha conseguido crear en América sin descuidar el bienestar de sus seres queridos. Eso comenzará con la necesidad de ocultar su relación con Murtaugh. Por su parte, Claire utilizará sus conocimientos médicos para evitar que les vuelvan a destrozar.

Con el futuro garantizado

La cadena se adelanta así al final del rodaje de esta quinta temporada que arrancó el pasado mes de mayo y sigue todavía en curso en Escocia. Como es lógico, Caitriona Balfe y Sam Heughan seguirán dando vida a los grandes protagonistas de la función en estos 12 nuevos episodios de ‘Outlander’.

Además, los fans de ‘Outlander’ pueden estar tranquilos, ya que Starz renovó en su momento la serie por dos temporadas más, así que como mínimo llegará hasta la sexta. De todas formas, es poco probable que concluya entonces, pues ya está anunciada la novena entrega de la franquicia literaria que adapta…


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Todos los estrenos de Movistar en septiembre 2019: 'En el corredor de la muerte', el mejor Spiderman animado y más

Todos los estrenos de Movistar en septiembre 2019: 'En el corredor de la muerte', el mejor Spiderman animado y más

Septiembre está a la vuelta de la esquina y llega el momento en el que miramos las próximas novedades que llegarán en septiembre a las principales plataformas de streaming de nuestro país. Ya hemos visto las de Netflix y HBO España y toca turno de Movistar+.

Entre los estrenos de Movistar de septiembre lo primero que debemos recordar es que la madrugada del domingo 22 al lunes 23 podemos ver en Movistar Seriesmania la ceremonia de entrega de los Emmy

En cuanto a series, la plataforma estrenará en estas semanas (no ha confirmado fecha todavía) la quinta temporada de la sorpresa de dichas nominaciones: ‘Schitt’s Creek‘. Por otro lado, en su catálogo de originales se incorpora ‘En el corredor de la muerte’, miniserie sobre el caso de Pablo Ibar.

Series

‘En el corredor de la muerte’

Reconozco que tengo muchas ganas para ver cómo han llevado a la pantalla la historia de Pablo Ibar (Miguel Ángel Silvestre), declarado culpable de triple asesinato en 1994. Cuatro episodios de cincuenta minutos basados en el libro de Nacho Carretero, autor de ‘Fariña‘. Ramón Campos, Gemma R. Neira y Diego Sotelo son los responsables de la serie.

  • Estreno: 13 de septiembre

‘Emergence’

Septiembre implica nueva temporada televisiva en las cadenas «tradicionales» y uno de los primeros estrenos que veremos aquí es el de ‘Emergence’, «thriller de ciencia ficción» creado por Michelle Fazekas y Tara Butters sobre un agente de policía que encuentra a una niña sola en la escena de un extraño accidente de avión.

  • Estreno: 25 de septiembre

Todas las series en septiembre

  • ‘En el corredor de la muerte’ (13/9)
  • ‘Emergence’ (25/9)
  • Transparent‘ Final (28/9)
  • ‘Schitt’s Creek’ T5 (sin fecha)
  • ‘Archer: 1999’ (sin fecha)

Películas

‘Bajo arresto’

Mejor guion en el pasado festival de Sitges, ‘Bajo arresto’ (‘Au poste’) es una divertida obra de Quentin Dupieux protagonizada por Benoît Poelvoorde y Grégoire Ludig. Una comedia negra con un cadáver, un policía y un vecino que se ve largamente interrogado en una noche interminable.

Todas las películas

Documentales

‘Varda por Agnès’

Documental imprescindible para comprender a su creadora, Agnès Varda dedica su última cinta a explorar su vida y su faceta como cineasta mientras nos hace toda una masterclass de cine.

Todos los documentales de septiembre en Movistar

  • ‘Yo soy Patrick Swayze’ (1/9)
  • ‘Menú Stereo’ T12 (7/9)
  • Varda por Agnès‘ (15/9)
  • Tres idénticos desconocidos‘ (19/9)
  • ‘Me llamo Violeta’ (22/9)
  • ‘Elliott Erwitt’ (29/9)
  • ‘Porndemic’ (sin fecha)

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Tráiler de 'Los dos papas': Netflix presenta su alternativa a 'The Young Pope' con Anthony Hopkins

Solo un día después de la presentación del trailer de ‘The Young Pope’ de HBO, con Jude Law y John Malkovich, Netflix presenta su respuesta papal: ‘Los dos papas’, con Anthony Hopkins y Jonathan Pryce. Ambientada en 2012, Hopkins dará vida a Benedicto y Pryce a Bergoglio, su cardenal y futuro sucesor.

‘Los dos papas’: Hopkins vs. Pryce

La película, dirigida por Fernando Meirelles (‘Ciudad de Dios’, ‘El jardinero fiel’), cuenta cómo Bergoglio pide al Papa permiso para retirarse de la vida pública. Sin embargo, Benedicto no quiere que se vaya de su lado, y enmedio de uno de los momentos más delicados de la historia de la Iglesia, prefiere mantener a su lado a su futuro sucesor para confiarle uno de los grandes secretos de la institución. 

Con guión de Anthony McCarten (‘La teoría del todo’, ‘Bohemian Rhapsody’) esta película tendrá, como todas las de Netflix que vienen antecedidas por cierto halo de prestigio, un estreno limitado en salas a finales de noviembre. Llegará a la plataforma el 20 de diciembre.


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'Ad Astra': un clasicista estudio de personaje que une a Shakespeare con 'Star Trek'

'Ad Astra': un clasicista estudio de personaje que une a Shakespeare con 'Star Trek'

Contaba James Gray (‘El sueño de Ellis’, ‘Z, la ciudad perdida’)  en una reciente entrevista promocional de ‘Ad Astra’, su nueva película recién pasada en ‘El Lido’, que una de las ideas que pulularon por su mente a la hora de abordar este proyecto (que llevaba, según cuenta, macerando desde hace casi una década) era la conferencia de prensa de Armstrong, Aldrin y Collins al regresar a la Tierra. Ellos eran los primeros seres humanos en visitar un cuerpo celeste, con toda la carga metafísica para la humanidad que ello conllevaba, y sin embargo de lo que no podían dejar de hablar es de cuestiones logísticas, depresurizaciones y circuitos dañados.

“Space I understand” es una de las primeras cosas que oiremos nombrar durante su incesante (e innecesario) monólogo interno a Brad Pitt en el papel de Roy para ‘Ad Astra’. Él también es un hombre de ciencia, como estos grandes referentes citados, pero es además alguien con un punto flaco: su padre, un referente que intentar alcanzar. Clifford (Tommy Lee Jones) fue el mejor astronauta vivo, literalmente el que llegó más lejos. Alguien que, según nos cuenta la narrativa oficial, se sacrificó por la humanidad al comprometer toda su vida a la búsqueda de otros seres en el espacio y resolver así la famosa ecuación de Drake. Sorpresa sorpresa, nuestros modelos tienen su cara oculta.

Un estudio de personaje. Un proceso de Autoexploración.

‘Ad Astra’ se construye en lo superficial más como un estudio de personaje que como una pirotécnica aventura espacial (aunque sí, algunos puntos tiene de esto), pero también, como nos anuncian los rótulos iniciales de la película, es un discurso sobre la búsqueda de la esperanza en nosotros mismos en estos tiempos convulsos en los que las sociedades sólo saben huir hacia adelante. Roy, cual Ulises, o Hércules, o héroe de mil caras, ha de pasar en su travesía por un proceso de autoexploración (fase a fase, astro a astro) que le hará abandonar su creencia en la ciencia y la frialdad emocional para abrazar una fe más humana que le llevará, sin pretenderlo, a renunciar al padre.

Aunque Gray parece tener muy presente ‘2001 Odisea en el Espacio’, ‘Solaris’ e incluso ‘Apocalipsis Now’, es curioso que este nuevo filme se hermane mucho mejor con ‘First Man’, otra obra de individuos que saltan al vacío y se entregan a la nada para encontrar una paz epistemológica y que, en el fondo, habla de lo perdidos y huérfanos que están los hombres de un sentido del deber, de objetivos por los que luchar. 

El mensaje final, como en otras películas de Gray, va quedando meridianamente claro, sin exigir grandes esfuerzos del espectador al procurarle algunas metáforas visuales sencillas, pero, pese a tener mucho en su contra, ‘Ad Astra’ logra despertar un interés cinematográfico imprevisto: uno de los directores que mejor encarna el clasicismo formal hollywoodiense a día de hoy se ha atrevido a bañarse en la space opera.

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No podemos aquí dar más detalles para no hacer spoilers, pero tiene su gracia que con un guión y algunas escenas tan solemnes, medio shakespearianas, y un actor como Brad Pitt, capaz de construir una enorme verosimilitud, se nos lleve en algunas secuencias aisladas al terreno de la acción camp a lo ‘Star Trek’, algo que podría sacar a algunos de la película pero que, en mi caso, me parece un paso valiente en favor del juego y el entretenimiento visual, que es el mejor enfoque con el que alunizar sobre este filme.


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‘Ad Astra’: un clasicista estudio de personaje que une a Shakespeare con ‘Star Trek’

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Esther Miguel Trula

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